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COMENTARIO DE TEXTO - Pensamiento musical del Barroco, Clasicismo y Siglo XIX

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COMENTARIO DE TEXTO

Pensamiento musical del Barroco, Clasicismo y Siglo XIX


En el siguiente comentario se exponen las distintas tendencias adoptadas por los pensadores y músicos de las épocas del Barroco, Clasicismo y Siglo XIX (tanto el Romanticismo como el Formalismo) ante el problema de la dimensión subjetiva, moral, o psicológica del hecho musical, y de sus relaciones con otras artes.

·         PENSAMIENTO MUSICAL DEL BARROCO.

Los teóricos de la armonía y el descubrimiento de los afectos.

1. Ruptura con el pensamiento musical medieval: Johannes Tinctoris.

      1.1. Armonía en términos subjetivos: “Cierta placidez por los sentidos apropiados”.

      1.2. Compositor: “Inventor de cualquier melodía nueva”.

      1.3. Consonancia: “Combinación de sonidos que lleva dulzura a los oídos”.

      1.4. Disonancia: “Combinación de sonidos distintos que ofenden a los oídos”.

      1.5. Enumera los 20 efectos de la música en el ser humano.

2. Nueva concepción de la música racionalista-naturalista.

      2.1. Ideales de clasicidad, modelos antiguos.

      2.2. Glareanus → opone compositores “symphonetae” con “phonasci”.

                  2.2.1. Phonasci: “Auténticos músicos”.

      2.3. Zarlino: Teoría musical fundamentada en la naturaleza de los sonidos.

                  2.3.1. La relación entre sonidos se observa en la naturaleza.

                  2.3.2. Armónicos superiores: Demostración de que el acorde perfecto mayor existe en la naturaleza.

                  2.3.3. Visión matematizante y racional del mundo.

                  2.3.4. Figura del teórico, practicante de un arte liberal.

                  2.3.5. Conducirá a una integración de la música en la cultura.

Palabra y música: el nacimiento del melodrama.

1. Revalorización de la palabra frente a la música.

      1.1. Música como instrumento para mover los afectos.

      1.2. A cada palabra le corresponde una armonía musical equivalente. El lenguaje musical debe someterse al verbal (ideal de Camerata Bardi).

      1.3. Concepción de la Historia: Edad Media como paréntesis oscuro entre épocas de la Humanidad.

      1.4. Galilei: “Dialogo della musica antica et della moderna” (1581).

                  1.4.1. Monodia: Auténtica, natural, produce efectos.

                  1.4.2. Polifonía: Artificial, confusa. Irracional y hedonista.

      1.5. “Expresión de los afectos”: Defensa del texto litúrgico y su comprensión. Negación de la autonomía del lenguaje musical.

2. Artusi y Monteverdi.

      2.1. Artusi: Polémica con Monteverdi: Defensa de la polifonía desde un interés estético. Interés por establecer unas reglas objetivas.

      2.2. Monteverdi sacrifica belleza, razón y tradición por claridad textual.

      2.3. Descartes, Leibniz, Euler y Rameau defenderán la autonomía del lenguaje musical, que se fundamenta en la armonía tonal.

                  2.3.1. Música no como “instrumentum regni” sino autosuficiente, alcanza a Dios por la dulzura de los sonidos. Lucero se muestra a favor de la autonomía musical (posición contraria a San Agustín).

3. Leibniz: Música con indudable estructura matemática.

      3.1. “Percepción placentera de los sonidos”.

      3.2. Cálculo inconsciente del alma:

                  3.2.1. “Sentido de placer ante consonancia y de disgusto ante disonancia”.

      3.3. Constituye una “reconciliación” entre oído y razón.

Teoría de los afectos y las discusiones sobre el melodrama

1. Investigaciones de Zarlino debidas a la necesidad de un nuevo tipo de expresión musical conducen a una “teoría de los afectos”.

2. Teoría de los afectos:

      2.1. Reanudación del espíritu del Humanismo.

      2.2. Reanudación de la teoría de los Ethos.

      2.3. Se enriquecerá en la Ilustración y llegará hasta el Romanticismo.

      2.4. Kircher: Formulación de la teoría.

                  2.4.1. Influencia de la música en el carácter humano.



                  2.4.2. Cada carácter tiene un tipo de composición asociado.

                  2.4.3. Gran variedad de composiciones.

                  2.4.4. Música como instrumento para intensificar las pasiones y su afinidad con el lenguaje verbal.

                  2.4.5. Culminación con Rameau y enciclopedistas.

      2.5. Werkmeister, Euler, Descartes: Investigación sobre los intervalos y el temperamento. Trabajo de laicización y mundanización de la música.

                  2.5.1. Marin Mersenne: “Harmonie universelle” (1636-1637). Concepción teológica musical: Trinidad. La armonía del universo se corresponde con la musical.

  • PENSAMIENTO MUSICAL EN EL CLASICISMO.

La teoría de los afectos.

1. Mattheson: Aplica la teoría a instrumentos y les da un color emotivo a cada uno.

      1.1. Difusión de la música en un ambiente no especializado: Publicaciones periódicas.

      1.2. Scheibe: “Figurenlehre”. Encontrar figuras y el correspondiente afecto. Formar un “léxico musical”.

      1.3. Polémica bachiana: La música contemporánea “llega al corazón” y la de Bach está “ligada al pasado”.

2. Doble configuración:

      2.1. Aparato preceptista.

      2.2. Nueva concepción del “lenguaje de los sentimientos” influencia del empirismo inglés y la estética del gusto.

                  2.2.1. Charles Avison: “Essay in Musical Expression” (1752): Música como un medio para suscitar pasiones.

Las razones de la música y las razones de la poesía:

1. Condena del género melodramático: Exigencia de atenerse a una verosimilitud escénica, una mayor racionalidad.

      1.1. Objeto de una polémica de trasfondo moralista antes que estético. Música es un placer para los sentidos; la razón ante ella permanece inerte.


2. Mentalidad cartesiana:

      2.1. Sólo existe un lenguaje válido en el hombre: El de la razón.

      2.2. Entre poesía y música existe una diferencia en su dirección: Se orientan en direcciones diferentes.

      2.3. Se condena el melodrama como género híbrido.

3. Polémica entre Raguenet y Lecerf (1702-1704).

      3.1. Raguenet: “Paralèlle des Italiens et des François [sic] en ce que regarde la musique et les opéras”. Óperas francesas coherentes y atractivas desde el punto de vista literario. Óperas italianas más musicales.

      3.2. Lecerf de la Viéville: “Comparaison de la musique italienne et de la musique française”. Usa argumentos contra la música italiana como “el justo medio”, la sencillez, observación de las reglas. Les acusa de contrariar al corazón.

4. Bases de la estética del gusto: Discurso fundado sobre la autonomía del arte, de la música.

      4.1. Inglaterra: Shaftesbury y los empiristas.

      4.2. Francia: Abate Du Bos, Batteux.

De la razón al arte y del arte a la razón.

1. Rameau reivindica la música como lenguaje con contenido significativo, fundamentado en principios claros e indudables.

      1.1. “Traité de l’harmonie reduite à son principe naturel” (1722).

      1.2. La música tiene unas reglas establecidas, que se derivan de un fenómeno (conocido ya por Zarlino) de los armónicos superiores producidos por los cuerpos sonoros.

      1.3. Habla de imitación de la naturaleza, entendida desde una concepción newtoniana más que desde la sensibilidad empirista.

      1.4. Música, lenguaje completamente racional y universal. Armonía es un “primum” lógico del que derivan las cualidades de la música.

      1.5. Alternativa a la concepción ilustrada de la música, será punto de referencia para el pensamiento romántico.

Los enciclopedistas y las “querelles”.

1. Segunda representación parisina de “Serva Padrona”, de Pergolesi (1752): “querelle” entre defensores de música italiana y francesa.

      1.1. Defensores de música francesa: Ricos y mujeres.

      1.2. Defensores de música italiana: Expertos, gente de talento (enciclopedistas).

2. Enciclopedistas y Rousseau: Ven en la melodía el fundamento de la diferencia de un pueblo respecto a otro en su música.

      2.1. Música: “Lenguaje que habla cerca del corazón del hombre”.

      2.2. Rechazan la música instrumental pura.

      2.3. Melodía expresión directa del sentimiento.

      2.4. Armonía: “Bárbara invención de la razón”. Toma armonía erróneamente por polifonía.

3. Ilustración y enciclopedistas difunden la música en el contexto de la cultura. Nacen la crítica y la historiografía musical. Los músicos elaboran tratados técnicos de instrumentos y hacen referencias estéticas.

      3.1. Martín: “Storia della musica” (1757-1781).

      3.2. Charles Burney: “A general store of music” (1776-1789).

      3.3. Forkel: “Allgemeine Geschichte der Musik” (1778).

      3.4. Geminiani: “The art of playing the violin” (1740).

      3.5. Quantz: “Versuch einer Anweisung die Flötte traversière zu spielen” (1752).




      3.6. C. Ph. E. Bach: “Versuch einer grundlicjen Violinschule zu aprelen” (1756).

4. D’Alembert: Meditación entre ideas de Rameau y Rousseau en el prólogo de la Enciclopedia.

5. Diderot: Afronta la cuestión musical en tonos prerrománticos.

      5.1. Expresión de los sentimientos, de las pasiones (“le cri animal”).

      5.2. Imprecisión semántica musical es un hecho positivo, pues deja lugar a la imaginación y expresa totalmente la vida.

      5.3. Primado de la música sobre las demás artes. Es el arte más realista.

6. Kant: “Crítica del juicio”.

      6.1. Desde el punto de vista de la razón, la música ocupa el “último escalón”.

      6.2. Desde el punto de vista de las artes, la música es la más importante: “mueve el espíritu más directamente”.

      6.3. Música: “una lengua universal comprensible para cada hombre”.

7. Repercusiones en Italia:

      7.1. B. Marcello: “Il teatro alla moda” (1720).

      7.2. Algarotti: “Saggio sopra l’opera in musica” (1775).

      7.3. Arteaga: “Le rivoluzioni del teatro musicale italiano delle sue origini fino al presente” (1783-1785).

      7.4. Reforma de Gluck: Equilibrio entre música y texto. Inspirada por el libretista Calzabigi.

8. Repercusiones en Alemania: Alternativa entre Bach y el estilo galante.

      8.1. Bach: “Gotische Barbarei”. Ideal bachiano: Honrar a Dios y la recreación del alma.

      8.2. Estilo galante: Música como lenguaje más apropiado para “llegar al corazón”.

  • PENSAMIENTO MUSICAL DEL ROMANTICISMO.

La música como lenguaje privilegiado.

1. En el Romanticismo la música toma el papel de reina entre las artes. Se resalta su indeterminación semántica como rasgo fundamental.

2. Wackenroder: “Pinta sentimientos humanos de forma sobrehumana”.

3. Mendelssohn: “La música colma, mejor que las palabras, el alma con miles de cosas”.

4. Se defiende la música instrumental pura.

La música y los filósofos románticos.

1. Schelling: El arte es representación de lo infinito en lo finito.

      1.1. La música es el arte que más se despoja de lo corpóreo.

2. Hegel: La idea en las artes es una forma sensible. En la música la forma sensible se ve superada, resuelta en el puro sentimiento.

      2.1. La música es la revelación de lo Absoluto mediante un sentimiento.

3. Schopenhauer: Culminación lógica de su filosofía.

      3.1. El arte en general es una objetivación de la voluntad, la música es una objetivación directa de la voluntad. “Las artes sólo reproducen sombras, mientras que ella, ideas”.

      3.2. “Cuando la música trata de amoldarse a las palabras y de ceÑirse a los hechos, se esfuerza por hablar en un lenguaje que no es el suyo”.

      3.3. Música es universal, representa una posición abstracta respecto a cada sentimiento.

      3.4. La música representa el sentimiento “in abstracto”.

4. Poema sinfónico, música descriptiva y música programática: Otra tendencia en el Romanticismo.

      4.1. Combinación de las diversas artes para alcanzar una expresión más completa.

Wagner y la obra de arte total

1. Unión de poesía y música acerca a la concepción de “obra de arte total”.

2. Drama para Wagner es el único arte auténtico, completo y posible. “Reintegrará a la expresión artística su unidad y total comunicabilidad”.

3. Nietzsche:

      3.1. Música es el arte por excelencia, origen de las demás artes: Es una categoría del espíritu humano.

      3.2. En contraposición a Wagner desarrolla el principio de absoluto privilegio y autonomía de la música instrumental.

      3.3. Música como origen de todas las creaciones estéticas.

Del formalismo a la sociología de la música

1. Hanslick. Primera reacción positivista contra la filosofía y la estética romántica. Sentó las bases del formalismo musical.

      1.1. Cada arte es autónomo y no expresa nada fuera de sí mismo.

      1.2. La música se encuentra en relación simbólica con los sentimientos, es decir, la música simboliza la forma y dinámica del sentimiento.

      1.3. No existe ninguna relación entre música y lenguaje.

      1.4. Aparece una nueva fase de los estudios musicales: Historiografía, Paleografía, investigaciones acústicas y fisiológicas, Psicología musical: “Cientifización” de los estudios musicales.

2. Hemholz retoma los estudios de Zarlino y Rameau sobre la armonía, con bases más científicas.

      2.1. Stumpf realiza estudios que integran a la música en el plano de la psicología.

3. Géza Révész y Ernst Kurth dirigen su atención al condicionamiento psicológico en la creación y percepción musical.

4. Révész y Wellek han profundizado en el problema del talento musical desde el punto de vista psicológico.

5. Carl Seashore considera la percepción de la música un fenómeno analizable y medible científicamente. Realiza estudios sobre interpretación musical como desviación de un cierto modelo encarnado por la partitura.

6. Musicología francesa: ha profundizado dirigiendo su atención a la relevancia social de la música.

7. Pensamiento marxista:

      7.1. Sidney Finkelstein, Ivo Supicic: Profundizaciones sobre la relación entre música y sociedad.

      7.2. Zofia Lissa analiza las estructuras de la música intentando identificar las relaciones que la vinculan a las ideologías y a las estructuras sociales propias de cada época histórica.









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