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Jazz de la Costa Oeste

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Jazz de la Costa Oeste



            Después que los boppers renovaron el lenguaje del jazz a mediados de la década del ’40, algunos músicos blancos residentes en California decidieron tomar su propio camino, aunque siguiendo las huellas de los creadores del “cool” en el Este.



            Pero el jazz había llegado a la Costa Oeste muchos aÑos antes, de la mano de los sureÑos que arribaban a sus playas llevando consigo su música. Desde 1912, visitaban Los Ángeles vaudeville-bands y ragtime-bands en sus amplias giras por todo el país, pues la consideraban un stop obligado en su itinerario. Ese aÑo llegó Freddie Keppard al frente de su “Original Creole Band” y desde entonces el paso de grupos similares parece haber sido continuo. Por ejemplo, en 1921, Kid Ory grabó en la ciudad el primer disco que se conoce de una banda negra de New Orleáns tocando su música, y diez aÑos después se radicó en California para dirigir su jazz band a partir de 1940. Pero había varias orquestas negras trabajando en Los Ángeles desde algunos aÑos antes: Paul Howard lo hacía desde 1929; Les Hite, de 1930 a 1932 (con solistas como Lawrence Brown, Marshall Royal, Lionel Hampton y T-Bone Walter en guitarra y vocales); Harvey Brooks, en 1934; y el mismo Hampton, que formó una orquesta en 1935, la que pronto abandonó para debutar con Benny Goodman en New York.

            En 1941, Lu Waters, al frente de su “Yerba Buena Jazz Band”, lideraba un movimiento revival en San Francisco, y en 1944, el empresario Norman Granz iniciaba la serie de conciertos conocidos como “Jazz at the Philarmonic”, amalgamando solistas de prestigio de la Era del Swing con nuevas estrellas del jazz moderno. En 1945, llegaron Gillespie y Parker con un quinteto para actuar en el “Billie Berg’s Club” de Los Ángeles, y Bird se radicó en la ciudad por dos aÑos, dejando su sello sobre los solistas locales. En 1947, Dizzy volvió, pero al frente de una big band.

            Pero el jazz como expresión local apareció recién en 1949, cuando un grupo de jóvenes músicos blancos empezó a reunirse en Hermosa Beach para realizar sus propias experiencias. Muchos de ellos era veteranos de las orquestas de había formado en Los Ángeles el prestigioso director blanco Stan Kenton.

Influencias

            Casi todas la s fuentes de inspiración que dieron origen al estilo Costa Oeste procedían del Este. El “Birth of the Cool” influyó notablemente incorporando avances armónicos y melódicos originales del bebop –aunque con un feeling más relajado-, y Miles Davis, Lee Konitz y Lester Young fueron importantes influencias. Davis lo fue para los trompetistas. Los saxos tenor estaban inspirados en el estilo de Lester, en lugar de los de Dexter Gordon o Lucky Thompson, que estaban radicados en Los Ángeles. Entre los altos –aunque impactados en 1945 por el fraseo de Parker-, con la llegada de Konitz para tocar con la orquesta de Kenton en 1952, muchos modificaron estilo, sonido y fraseo a su semejanza; y los arregladores cayeron bajo la influencia del noneto de Davis y de la escuela de Thonhill-Evans.

            El “segundo rebaÑo” que formó Woody Herman en 1947 dejó también su marca en el desarrollo del estilo que dominó al jazz en california durante la década del ’50, con el sonido liviano de textura suave de su team de saxos. Aunque formado en New York, los californianos Zoot Sims y Herbie Steward integraban el famoso cuarteto que grabó “Four Brothers” en 1947, junto a Serge Chaloff y Stan Getz, quien había estado durante 1944-45 trabajando con Kenton en Los Ángeles. En 1948, Getz fue descubierto por su solo en “Early Autumm” con Herman, y llevado a lo más alto del pedestal como representante del espíritu del “West Coast Cool”. Ese espíritu representaba el estilo de vida de la templada y húmeda California, de soleadas playas, donde el trabajo abundaba, en los estudios de grabación de Hollywood, para los músicos más capaces. Allí se acercó Gerry Mulligan en 1952, y se puso al frente de combos revolucionarios sin piano con los que inspiraría a no pocos solistas de la Costa Oeste.

            Aunque el estilo “West Coast” fue creado en Los Ángeles por músicos blancos, también era practicado por saxofonistas negros seguidores de Lester Young, como Wardell Gray y Buddy Colette. Asimismo se podía oír en el Este, en los instrumentos de saxofonistas de esa escuela Lester, como Paul Quinichette, Gene Ammons y los blancos Stan Getz, Zoot Sims y Al Cohn, y de los altos influidos por Lee Konitz.

Nacimiento del estilo Costa Oeste

            “Howard Rumsey’s All Stars”. En mayo de 1949, algunos músicos blancos de California iniciaron el movimiento que los llevó a concretar un nuevo estilo de jazz. Empezaron sus experiencias en el club Lighthouse de Hermosa Beach –una de las playas de Los Ángeles-, y ahí se mantuvieron durante aÑos.

            El contrabajista Howard Rumsey –veterano de la orquesta de Stan Kenton- interesó a John Levine, el dueÑo del local, para organizar reuniones con música de jazz los domingos por la tarde. El local era sensacional, a escasos metros de la playa, no se cobraba cover y las bebidas no eran caras. A pesar de la oposición primera de los vecinos de Hermosa Beach, con el paso del tiempo el club de Levine y Rumsey ganó renombre mundial y el jazz moderno fue una poderosa atracción para turistas procedentes de Europa y de Japón.

            El “Lighthouse” cerró sus puertas en 1971, siendo el jazz club en actividad más antiguo del país, pero al aÑo siguiente Rumsey abrió otro, en Redonda Beach, que se llamó “Concert By The Sea”, un local con excelente acústica donde siguió presentando a los mejores solistas de la costa junto a prestigiosos visitantes. El antiguo “Lighthouse” era como un laboratorio donde músicos como Shorty Rogers y Jimmy Giuffre escribían arreglos constantemente y los probaban, no bien terminados, en el mismo club. Más tarde, algunos de esos arreglos fueron grabados por los grupos de Rumsey, de Giuffre y por los “Giants” de Rogers.

            Las primeras grabaciones de los “Howard Rumsey’s All Stars” suenan, precisamente, a trabajos de laboratorio, pero discos que se grabaron posteriormente muestran a los mejores solistas de la costa ya dueÑos de un buen nivel técnico-artístico, como el trompetista Conte Candoli, el saxo Bob Cooper y, especialmente, el notable trombonista Frank Rosolino, entre otros. También el baterista Stan Levey –que había llegado con el quinteto de Gillespie-Parker en 1945- mostraba la seguridad y el drive de un estilo inspirado en el de Max Roach.

            No obstante los cambios de personal, el sonido fresco del grupo permaneció inalterable. La lista de “All Stars” permanentes e invitados es como un “Quién es Quién” del jazz moderno de los aÑos ’50: Shorty Rogers y el sueco Rolf Ericson (trompetas), los saxos tenor-instrumentinos Jimmy Giuffre y Bob Cooper, el saxo alto-flauta Bud Shank, Milt Bernhardt en trombón, Claude Williamson en piano, Shelly Manne y Max Roach en drums, y el mismo Howard Rumsey en contrabajo. En 1954 se sumaron los trompetistas Conte Candoli, Jack Sheldon y Stu Williamson (hermano de Claude y también trombonista a válvulas), y al aÑo siguiente ingresó Frank Rosolino. Además, actuaban, como artistas invitados, Gerry Mulligan, Chet Baker, Zoot Sims, Marty Paich, Barney Kessell, Hampton Howes, Bill Colman, Bob Brookmeyer, Miles Davis, Charlie Mingus, Herb Séller, etc. Pero la personalidad más importante y coherente del grupo de California era Shorty Rogers, quien también lideraba su propio grupo de trabajo, que denominó “The Giants”

            Milton M. “Shorty” Rogers nació en Great Barrington, Massachussets, el 14/4/1924, y trabajó en el área de New York con las orquestas de Hill Bradley, Red Norvo y Woody Herman. Radicado en California en 1950, se incorporó a la orquesta de Kenton como trompetista y, después de un aÑo y medio, permaneció como arreglador. Desde 1953 se unió al grupo de Rumsey, desde 1954 lideró su propio combo, y al aÑo siguiente era director musical de Atlantic Records. Su incorporación, al aÑo siguiente, como director musical de RCA de Los Ángeles, también le abrió las puertas para grabar con sus “Giants” y su big band, con éxito de ventas en Europa y EE.UU.

            Llamado “El Padre del Jazz de la Costa Oeste”, las fuentes de inspiración de Rogers como arreglador habían sido sus aÑos de permanencia con el grupo de Red Norvo –de un espíritu “cool” mucho antes de la aparición del estilo- y su admiración por la música de Basie. Con sus “Giants” imitaba el estilo Basie de los “Kansas City Seven”, con pocas apoyaturas de piano, mucho walking-bass y un drive liviano, y los scores neo-swing que tocaba la banda de Count. Y de Rogers como solista, el mismísimo Igor Stravinski opinaba: “Puedo oírlo por períodos de quince minutos, y aún más, sin percibir el paso del tiempo, mientras que el peso de virtuosos ‘serios’ que conozco me deprime en cinco minutos más allá del efecto de ‘Equanil’”. Su carrera la continuó escribiendo música para cine y TV, y dirigiendo orquestas que acompaÑaban a cantantes famosos. Murió en Van Nuise, California, el 7/11/1994.



            Pero la música de la Costa Oeste –a veces seductora e íntima y otras veces swinguera, simple y liviana como la de Basie- fue duramente criticada por escritores del Este, que la tildaron de “fraude” o “fiasco”. El crítico Joe Goldberg es especialmente duro cuando dice: “Muchos de los hombres que salieron de la banda de Kenton para convertirse en abanderados del estilo Costa Oeste era de mente tan simple en su búsqueda de la esquiva ‘modernidad’ que muchas veces basaban su estilo en los links de sus predecesores directos. Se escribieron fugas y composiciones atonales –a veces con un mínimo de improvisación- y se usaron flautas, oboes y cellos; pero, como reacción inevitable a su autoimpuesta esterilidad, los álbumes de las más conocidas figuras del estilo Costa Oeste empezaron a aparecer fuertemente influidos por Davis, Rollins y Horace Silver”.

            Por su parte, el importante compositor-arreglador George Russell satirizó: “Un Sammy Kaye es bastante malo, pero un bastardo Sammy Kaye es demasiado. Esa es la razón por la cual Davis, Mulligan, Gil Evans y John Lewis permanecen, mientras que el movimiento West COSAT de los aÑos ’50 –que se desarrolló partiendo de ellos- ya ha sido largamente olvidado”.

            Sin embargo –y a pesar de las críticas, a veces bastante justificadas, de las que se hizo merecedor-, el jazz de la Costa Oeste dejó en algunas de sus grabaciones más importantes la firma de solistas de alto nivel que surgieron de sus filas y que le dieron jerarquía a un tipo de música aparentemente desprejuiciada e indolente. Álbumes  bajo los rótulos de “Shorty Rogers and his Giants”, “Lighthouse all Stars”, “Art Pepper + Eleven”, “Clifford Brown Jazz Inmortal”, “Don Fagerquist Eight By Eight”, “The Music Of Bob Cooper”, etc., aún permanecen vivos en el recuerdo de los aficionados que supieron valorarlos en su momento. Todos esos grupos eran una consecuencia de la influencia del noneto de Miles Davis de 1949, pero la música de la big band de Shorty Rogers mamaba directamente del estilo Kansas City que había dado a conocer Count Basie a mediados de la década del ’30.

Solistas

            Gracias a sus conocimientos instrumentales y armónicos, los solistas de la Costa Oeste hicieron gala de un dominio instrumental y técnico envidiable, en el cual se respaldaron para dar una imagen de perfección que se vio reflejada en muchas de sus grabaciones. Los más importantes de ellos fueron:

            Bob Cooper nació en Pittsburg, Pennsylvania, el 6/12/1925. Integró la orquesta de Kenton de 1945 a 1951, y luego las de Jerry Gray, Pete Rugolo y Shorty Rogers. En 1951 ingresó en los “All Stars” de Rumsey, desarrolló su propia actividad dirigiendo sus combos y acompaÑando a la cantante June Christie –su esposa-, y en 1959 fue socio en Lighthouse Records. Fue el primer músico de jazz que usó el oboe como medio de expresión, y con ese instrumento dejó algunos celebrados solos improvisados con los grupos de Rumsey. Su excelente saxo tenor lo mantuvo activo y vigente prácticamente hasta su muerte, el 6/8/1993, confrontándose con los mejores instrumentistas blancos de última generación.

            Richard “Richie” Kamuca nació en Philadelphia el 23/7/1930, y en 1951 era uno de los más importantes solistas en el saxo tenor de la orquesta de Kenton. Trabajó de 1954 a 1956 con Woody Herman; con Chet Baker y Maynard Ferguson en 1957; con los “Lighthouse All Stars” en 1957-58; con Shorty Rogers y Shelly Manne en 1959-61. Se radicó posteriormente en New York, donde trabajó con la big band de Gerry Mulligan, Gary Mc Farland y Roy Eldridge. Después de esto regresó a Los Ángeles, donde falleció el 22/7/1977.

            William Reece “Bill” Perkins, uno de los saxos tenor más competentes de la Costa Oeste, nació en San Francisco, California, el 22/7/1924. Radicado temporariamente en Chile, regresó para dedicarse profesionalmente a la música en los aÑos ’50, tocando con Jerry Wald, Woody Herman y Stan Kenton, al mismo tiempo que completaba sus estudios de ingeniero en radio. Empezó en su nueva actividad en World Pacific Records, como ingeniero de audio y editor, mientras enseÑaba en el Westlake Collage of Music. En 1970 volvió a la actividad como instrumentista, destacándose también con el saxo barítono y la flauta. Fue miembro de los “Supresas”, de la orquesta de Thosiko Akiyoshi, e hizo trabajos como free-lance.

            James Meter “Jimmy” Giuffre fue un importante miembro de los “Lighthouse All Stars”, en 1951-52, con el aporte de sus conocimientos musicales a las grabaciones que se hicieron en los primeros aÑos del grupo de Hermosa Beach. Giuffre era de Dallas, Texas, donde había nacido el 26/4/1921, y ahí empezó el estudio del clarinete a los 9 aÑos de edad, y el del saxo tenor a los 14. Tocó en la sinfónica de Dallas de 1946, y al aÑo siguiente trabajaba en el campo popular con Jimmy Dorsey; con Budd Rich en 1948, como saxo tenor y arreglador; con Woody Herman en 1949; con el grupo de Rumsey en 1951; y, finalmente, con los “Giants” de Rogers desde 1953 hasta 1955. Desde 1956, continuó su carrera como arreglador-compositor en diversas orquestas y combos, donde puso en práctica sus conocimientos de música de cámara y jazz.

            Otros trabajos de aliento para orquestas grandes y orquestas sinfónicas, cuartetos clásicos, música para ballet y por encargo, como “Pharoah” y “Suspensions” para la Universidad Brandeis, cimentaron su prestigio de músico de avanzada. Pero a fines de los ’60 volvió a tocar jazz, sincerándose en un reportaje: “Regresamos al vocabulario del jazz… métrica, acordes, tonalidades y una sección rítmica timekeeping, canciones standard y un armazón más definido. Me siento feliz de tocar los blues otra vez; pero mis composiciones privadas y mi trabajo de concierto continuarán”.

            Los experimentos de Giuffre con los originales “All Stars” de Rumsey fueron los que ganaron la oposición de críticos de músicos del Este, especialmente sus trabajos de cámara con instrumentinos, que en esos aÑos eran una rareza en jazz.

            Clifford Everett “Bud” Shank fue el primer saxo alto-flauta que integró el grupo de Hermosa Beach. Había nacido en Dayton, Ohio, el 27/5/1926; empezó de niÑo a estudiar el clarinete y el saxo, y a los 21 aÑos dedicó su tiempo al estudio de la flauta. Durante 1950-51 actuó con Stan Kenton, y después empezó su larga asociación con el grupo de Rumsey, mostrando una gran identificación con el estilo de Konitz. Desde entonces, Shank se confinó como free-lance en trabajos de estudio en Hollywood, como compositor de música para películas y TV, pero también actuando con grupos de jazz en la zona de Los Ángeles y en giras internacionales.

            Arthur Edward “Art” Pepper nació en Gardena, California, el 1/9/1925, y fue el saxofonista que menos se identificó con el estilo cool de sus paisanos contemporáneos. Tanto en el saxo alto como en el tenor, sus influencias fueron de diversa índole, y todas contribuyeron a formar su cálida personalidad musical; Parker y Konitz al principio, después Lester Young, y más tarde John Coltrane. Desde su primera asociación con Kenton hasta sus posteriores actuaciones con toda clase de combos, principalmente en el área de Los Ángeles, su errática carrera fue interrumpida en varias ocasiones por reclusiones carcelarias por consumo de drogas, internaciones en clínicas de rehabilitación, o trabajando como contador, maestro en high schools, colegios y universidades, o escribiendo su autobiografía.

            Sin embargo, Pepper es reverenciado por muchos como uno de los más importantes solistas blancos que ha dado el jazz. Murió en Washington, D.C., el 15/6/1982, de hemorragia cerebral.

            Secondo “Conte” Candoli, uno de los sobresalientes trompetistas de la Costa Oeste, nació en Mishawaka, Indiana, el 12/7/1927. Estudió el instrumento con su hermano, el fogoso Pete Candoli, cuando tenía 13 aÑos de edad, y desde 1948 trabajó con orquestas importantes: Kenton (1948), Charlie Ventura (1949), Woody Herman (1950), y regresó a Kenton de 1952 a 1954. Ese aÑo se incorporó al grupo de Howard Rumsey, y empezó a trabajar como free-lance durante aÑos, apareciendo en grabaciones con toda clase de formaciones y mostrando siempre su calidez e imaginación como solista, con un estilo influido indistintamente por Gillespie y Davis, que algunos críticos tildan de falto de concepto y continuidad, acusación recurrente a casi todos los solistas del Oeste. Los mismo que muchos músicos de California, se mantuvo durante aÑos trabajando en los estudios de grabación de Hollywood y en bandas de TV, pero alternando sus actuaciones con grupos de jazz con los que actuó en conciertos y festivales, tanto en su país como en Europa, mostrando una frescura y una claridad de fraseo envidiables junto con una gran calidez de expresión.




            Donald “Don” Fagerquiest recién se radicó en Los Ángeles en 1956, cuando se incorporó al staff de los estudios Paramount. Había nacido en Worcester, Massachussets, el 6/1/1927, y su actividad profesional estaba circunscripta a New York desde que empezó a tocar con Mal Hallet en 1943, con Gene Krupa en 1944-45, con Artie Shaw y Woody Herman en los aÑos siguientes; y posteriormente, con Les Brown, sus solos dieron lustre a los discos de esa famosa banda mientras acompaÑaba a Doris Day. En los aÑos ’50 se radicó en California, y en 1957 tuvo oportunidad de grabar, bajo su propio nombre, liderando un grupo típicamente Wes COSAT, algunos trabajos que lo muestran como uno de los más importantes trompetistas de la Costa. Murió en Los Ángeles, el 27/1/1974, por problemas de riÑón.

            Jack Sheldon nació en Jacksonville, Florida, el 30/11/1931. En 1947 se radicó en Los Ángeles. Desde 1954 actuó en el “Lighthouse”, con la orquesta de Kenton, y como free-lance en todo tipo de actuaciones profesionales en todo el país. Adorado por músicos y público de Los Ángeles, Sheldon alterna su trabajo de trompetista con el de actor y comediante en shows y TV, pero, a pesar de un tipo de vida que hace pensar en el abandono del instrumento, siempre se mantiene activo y vigente, mientras su estilo cálido, swinguero y de fraseo imaginativo sigue haciendo las delicias de muchos que lo admiran. Sus trabajos en los aÑos ’60 con grupos capitaneados por Art Pepper, y un LP acompaÑado por Marty Paich en órgano más sección rítmica, tocando éxitos de Ray Charles, lo muestran en toda su dimensión de solista de nivel y artista cabal.

            Stuart Lee “Stu” Williamson, trompetista y trombón a válvulas, hermano menor del pianista Claude Williamson, nació en Brattleboro, Vermont, el 14/5/1933. Trabajó con Kenton en 1951-52, y con Woody Herman en 1952-53, como trompetista. Al aÑo siguiente empezó con el trombón a válvulas, con el que logró un estilo bastante personal. En 1955 suplió a Rosolino en grabaciones con los “All Stars” de Rumsey, y también de ésa época son sus importantes grabaciones, tocando ambos instrumentos –trompeta y trombón- con Johnny Richards y Marty Paich.

            Sheldon “Shelly” Manne. Como gran parte de su actividad profesional se desarrolló en el área de Los Ángeles, muchos suponen que Manne es oriundo de esa ciudad, pero realmente nació en New York, el 11/6/1920. Formando parte de una familia de drummers (padre y tíos), el joven Shelly estudió primero saxo alto, pero después dedicó sus esfuerzos a los tambores. Sus primeros trabajos fueron en el Este, hasta que empezó con Kenton, en California, a fines de los aÑos ’40. En la década siguiente estaba con el grupo de los Rumsey de Hermosa Beach y con Shorty Rogers, pero su mayor actividad estaba circunscripta a los estudios cinematográficos, donde apareció en la película “The Man UIT The Goleen Arm”, y también asesorando a Sinatra en su papel de drummer. Su capacidad profesional le permitió desempeÑarse con igual eficiencia tanto en grandes organismos, grabando música de películas, como en pequeÑos combos de jazz. Desde 1960 hasta 1974 operó su propio club en Los Ángeles, “The Hole”, donde tocaba cada vez que sus múltiples actividades se lo permitían.

            Stan Levey. Además de Séller Manne y Mel Lewis, hubo en el Oeste otro influyente baterista, también originario del Este, Stan Levey. Había nacido n Philadelphia el 5/4/1925, y a su llegada a New York fue considerado entre los más importantes de la era bebop, a pesar de ser blanco. Trabajó con big bands de renombre y en 1945 llegó a California con el quinteto de Gillespie. Radicado en Los Ángeles, fue le drummer de la orquesta de Kenton desde 1952 hasta 1954, y entonces se incorporó al grupo de Rumsey y a los “Giants” de Rogers. Su actividad musical la alternó con la de fotógrafo profesional, que le deparó éxitos con trabajos industriales y de portadas de discos y tapas de revistas.

            Frank Rosolino. Tal vez el solista de la Costa Oeste con más personalidad, y que más influenció a nuevas generaciones, haya sido Rosolino. Al revés de otros improvisadores del Oeste, que acusaban la influencia poderosa de los jazzmen del Este, Rosolino partió, sí, desde Parker, pero adaptándolo a su instrumento de una manera inteligente y personal, que se proyectó sobre trombonistas de California como Joe Howard, Dick Nash, Gil Falco y aun sobre el excelente Carl Fontana.

            Había nacido el 20/8/1926 en Detroit, Michigan, en el seno de una familia musical que lo hizo estudiar la guitarra. Igual que Jack Teagarden, Rosolino empezó el estudio del trombón a vara antes de haber desarrollado el largo de sus brazos, y tal vez ése haya sido el motivo de su excelente técnica con las posiciones falsas de instrumento. Después de tocar con la banda del ejército durante los aÑos de guerra, al salir inició su actividad profesional tocando con las orquestas de Bob Chester (1946), Glenn Gray (1947), Gene Krupa (1948-49), Herbie Fields (1950) y George Auld (1951), hasta que se radicó en Los Ángeles para debutar en la orquesta de Stan Kenton, en 1952, presentado como estrella.

            Su trabajo posterior en el Oeste le deparó toda clase de satisfacciones, actuando con los mejores –como los grupos de Rumsey y Rogers- y grabando bajo su propio nombre o para otros directores, como Johnny Richards, Russ García, Marty Paich, Toots Camarata, Bob Cooper, Sonny Stitt y con los “Supresas”, entre otros.

            Presentado en clinics por la marca Conn de instrumentos brass, también realizó presentaciones personales como solista en países de Europa y en Canadá, donde era admirado por su raro talento de improvisador. Hombre de excelente humor, Rosolino se presentó no pocas veces como comediante en TV. Con la orquesta que Quincy Jones presentó en conciertos en EE.UU. y Japón. Rosolino fue uno de sus solistas estrella.

            Asiduo concurrente a los estudios de grabación, afortunadamente su trombón puede oírse con la solvencia de siempre en gran cantidad de discos que permiten recordarlo como el gran artista que fue: cálido, ingenioso, divertido, voluptuoso y swinguero. Así se lo oye en la grabación en vivo con el grupo “Bobby Knight’s Great American Trombone Co.”, de junio de 1978, en el “Donte’s” de Hollywood, cinco meses antes de su trágica decisión de poner fin a su vida, que sorprendió a todos los que lo conocían. Las razones del suicidio no quedaron claras, aunque se supone que fue por motivos sentimentales, pero la falta de trabajo también pudo haber influido.

            Frank Rosolino murió en Los Ángeles el 26/11/1978. Fue uno de los grandes del trombón, a la altura de Back Teagarden y J. J. Johnson y, como aquellos, dueÑo de un estilo totalmente personal.

El notable Gerry Mulligan

            George Russell dijo: “El más importante innovador de los aÑos ’50 fue Mulligan. Eliminó el piano y compuso temas fantásticos. Fue muy claro, ingenioso e insolente”.

            Gerald Joseph “Gerry” Mulligan había participado en las reuniones, en casa de Gil Evans, que dieron origen al noneto de Miles Davis de 1948. Este grupo –que debutó en el “Royal Roost”- hizo sus grabaciones al aÑo siguiente, y Gerry colaboró en la mayoría de los arreglos y temas del álbum: “Jeru”, “Venus de Milo”, “Godchild”, “Deception”, “Rocket”, “Tarn That Dream” y “Budo”. En 1952 se radicó en California, donde experimentó con su primer combo sin piano, un cuarteto, con Chet Baker en trompeta, Bob Whitlock en contrabajo y Chico Hamilton en batería.



            Sus ideas de esos aÑos, cuando todavía no existía la amplificación del bajo de caja, eran: “Es posible con dos voces impartir el sonido y el feeling de cada acorde, como nos hizo ver Bach en sus invenciones. Cuando un piano está en un grupo juega el rol dominante, ya que todos tienen que afinar con él y seguir sus armonizaciones. Por otra parte, es obvio que el contrabajo no tiene un rango tan amplio de posibilidades dinámicas como los horns y los drums, y entonces hay que mantener un volumen sonoro que esté de acuerdo con sus posibilidades, e integrar un sonido de grupo”.

            El famoso cuarteto puso el énfasis en una inteligente improvisación melódica que clarificaba la secuencia armónica, junto con una concepción rítmica simple como resultado de su relajación. Admirador de Red Nichols y todo lo que representaba el estilo highbrow, Mulligan decía: “Uno busca tocar con gente que tenga la misma actitud hacia la música que los viejos hombres de los cuales aprendimos”. Pero, si bien su trabajo enfatizaba el ritmo en dos típico del jazz blanco de fines de los aÑos ’20 en New York, el feeling era totalmente opuesto, ya que la relajación era una de sus características, mientras que las del highbrow eran la tensión y la dureza rítmica. Y seguía sus razonamientos: “El contrapunto puede ser usado por un pequeÑo grupo de jazz moderno sin el recurso del pastiche clásico. El jazz es una música que divierte, para ser tocada y no intelectualizada”.

            Y en verdad, sus grupos se basaron en el humor, el contrapunto, y el placer de tocar. Aunque aseguraba que lo que había hecho en los aÑos ’50 estaba basado en el noneto de Davis, el carácter de sus combos fue bastante más distendido, prevaleciendo un espíritu de improvisación como no había lucido aquel. Entonces, audiencias que no habían aceptado al jazz en ninguna de sus formas, lo descubrieron a través de la música de cámara de los combos sin piano de Mulligan.

            Su primer cuarteto lo formó en Los Ángeles en 1952, y con él grabó para Pacific Jazz, aunque el grupo no duró más de un aÑo. En septiembre de 1953, Mulligan fue arrestado por tenencia de drogas y estuvo preso hasta fin de aÑo. Afortunadamente, supo sobreponerse al hábito pero, al salir de la cárcel, Chet Baker le pidió u$s 400 por semana para seguir –cifra enorme en esos tiempos-, y ése fue el fin del combo.

            Los discos del novedoso cuarteto sin piano habían dado la vuelta al mundo, y Mulligan no quiso cortar la racha. El sustituto de Baker fue Art Farmer, y más tarde el trombonista a válvulas Bob Brookmeyer, que sería su socio musical durante aÑos. Su nuevo cuarteto fue aún mejor que el anterior, pero en 1955 decidió ampliarlo con la incorporación de Jon Eardley en trompeta y Zoot Sims en saxo tenor, mientras que la sección rítmica estaba formada por Peck Morrison en contrabajo y Dave Bailey en batería. Esta habría de ser la culminación de su carrera antes de formar su notable “Concert-Band” de 1959 en New York, pero es indudable que su paso por California dejó su marca en los solistas blancos de Los Ángeles, con el espíritu relajado, informal y swinguero característico del jazz de la Costa Oeste.

            Gerry Mulligan murió el 20/1/1996 en Darien, Connecticut, por un problema óseo. Había nacido en New York City el 6/4/1927.

            Chesney H. “Chet” Baker había nacido en Yale, Oklahoma, el 23/12/1929. Y –además de su trompeta influida por el estilo de Miles Davis- durante mucho tiempo atrajo al público femenino con su voz y su aspecto de galán tipo James Dean. Con problemas de drogas durante toda su vida, Baker llegó a sobresalir como un solista de sonido liviano y claro, y con frases de ideas simples y hermosas. Emigrado a Europa, murió en Amsterdan, Holanda, el 13/5/1988.

            Robert “Bob” Brookmeyer nació en Kansas City, Kansas, el 19/12/1929.Antes de ingresar en el ejército estudió piano, clarinete y trombón en el conservatorio de su ciudad, y se inició como profesional en la banda del famoso saxo tenor Tex Beneke, con Ray Mc Kinley, Claude Thornhill (como segundo pianista y trombón) Jerry Wald y ferry Gibas. En 1953 actuaba en un combo de Stan Getz, y se unió al cuarteto de Mulligan en 1954, y al sexteto desde 1955 hasta 1958. Luego dirigió sus propios grupos, compartiendo la dirección con Jimmy Giuffre a veces, y en otra oportunidad con Clark Ferry. Ambos se incorporaron a la “Concert-Band” de Mulligan en 1959, permaneciendo en ella hasta su desbande, en 1962. En 1965, colaboró con su trombón y arreglos en la primera banda dirigida por Thad Jones y Mel Lewis.

            El estilo de Brookmeyer en el trombón a válvulas es único, y ha sido imitado por varios instrumentistas de la Costa Oeste, como Stu Williamson y Bob Enevoldsen. Como el estilo de su amigo Mulligan, el de Brookmeyer –también inyectado con anticuerpos del jazz moderno- está inspirado por elementos del jazz tradicional, lo que lo hace fácilmente digerible para los aficionados amantes de formas más antiguas.

            En la actualidad, Brookmeyer se mantiene vigente como instrumentista, pero más que nada como compositor-arreglador, y ha incursionado en la música moderna con moderado éxito, trabajando sus partituras como un verdadero compositor de jazz.

Otros arregladores de la Costa Oeste

            Marty Paich, prestigioso pianista y arreglador de la Costa Oeste, desaparecido recientemente, había nacido en Oakland, California, el 23/1/1925, y había hecho serios estudios musicales con Castelnuovo-Tedesco, y dirigido la banda de la aviación de 1943 a 1946. En 1951, empezó su activa vida profesional arreglando para Jerry Gray, Shelly Manne y Peggy Lee. En 1954 estuvo integrando el grupo de Shorty Rogers and his Giants, y en los aÑos ’60 fue considerado uno de los más importantes autores de música de películas en Hollywood y TV. A partir de ahí, su carrera se orientó a secundar a cantantes de moda, como Dinah Shore, Andy Williams, Mel Torme, Ray Charles, Sammy Davis Jr., Lena Horne y Astrid Gilberto. Pero durante los aÑos dorados del West Coast Jazz, su piano fue oído en innumerables trabajos con los mejores de la costa y sus arreglos estaban entre los más finos del estilo.

            Bill Holman. El importante Tadd Dameron decía de Holman: “Lindas o no, se supone que las cosas tienen que swinguear. Si algo es hermoso y tiene swing, tanto mejor. Bill hace cosas swingueras y hermosas”.

            Willis Leonard “Bill” Holman nació en Olive, California, el 21/5/1927. Realizó sus estudios de música con Russ García, y en el Westlake Collage. En 1952 integraba la famosa orquesta de Stan Kenton como saxo tenor, para la que escribió “Invention for Guitar and Trumpet”. A mediados de la década trabajaba para Shorty Rogers en Hollywood, y tocaba en un quinteto que había formado con Mel Lewis, pero su principal instrumento era la orquesta, “que él pulsaba con brillantez, honestidad y musicalidad”, al decir de André Previn. Su prestigio alcanzó a ambas costas, escribiendo para las más importantes orquestas, como la Concert-Band de Mulligan, Stan Kenton y la Neophonic Orchestra. A partir de 1966 abandonó su actividad de saxofonista, aquejado por problemas de salud, pero siguió orquestando para las más conocidas cantantes, como Judy Garland, Anita O’Day, Ella Fitzgerald, June Christy, Peggy Sue y Sarah Vaughan.

            Hombre de amplísima experiencia, también siguió arreglando para bandas de jazz como las de Louis Bellson, Buddy Rich, Mel Lewis, y aun escribiendo para conservatorios y colegios, música para cine y TV, y dirigiendo en ocasiones sus propias big bands, logrando toda clase de nominaciones y distinciones en su carrera. En su trabajo refleja la influencia de los mejores arregladores de los aÑos del Swing.









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